Con esta, doy fin a mi etapa de criticas cinematográficas, a lo mejor mas adelante vuelvo sobre mis pasos y escribo algunas. Sigan atentos.
SOÑADORES
En esta película, Bertolucci nos traslada al contexto histórico del mayo del 68, para que revivamos aquel espíritu a través de cine, las ideas y el sexo de tres estudiantes.
Entre estos actores cabe destacar al hijo de Philippe Gardel, quien con la ayuda del director, nos muestra una madurez interpretativa digna de los grandes (tomen nota de su nombre: Louis Gardel, promete). Los otros dos que concretan el trío son Michael Pitt (un joven actor estadounidense de 22 años, que hemos visto en “Descubriendo a Forester”) haciendo el papel de un estudiante norteamericano que viaja hasta Paris atraído por la Cinémathèque y la Nouvelle Vague y la guapísima actriz novel Eva Green, que es la hermana de Louis Gardel en el film.
En este drama, encontramos muchos tributos al cine antiguo (Truffaut o Godard), y también una curiosa elección entre Chaplin o Keaton.
Pero, aunque lo parezca, el film no tiene un carácter histórico sino que quiere retratar aquel momento mágico que fueron los 60 donde todo era posible, y la palabra libertad sonaba como melodía viva de las diferentes experiencias, que aquella generación iba acumulando.
Cabe destacar la relación que mantienen los dos hermanos que resulta un poco incestuosa, pero que nos mete en una realidad un tanto falsa, es decir mientras en la calle suceden diversas manifestaciones con aires de revolución. Louis Gardel, la hermana y el americano permanecen encerrados dentro de una especie de sueño, desde donde perciben un entorno sin casi conexión alguna con el mundo exterior.
En ese espacio (el piso de los dos hermano) desarrollan su propia moralidad y llevan el sexo a su máximo esplendor como una especie de revelación contra lo establecido (pero no olvidemos que no es la vida real es solo un piso dentro del efervescente Paris del 1968, identificado por un ladrillo o un cóctel molotov), y solo un hecho concreto hará que se enfrenten a la nueva realidad.
Con esto Bertolucci, nos da una versión muy particular de un tiempo concreto, interpretado con maestría por unos jóvenes actores que ejecutan una labor realmente admirable y que si siguen en esa línea tienen muchas probabilidades de llegar muy lejos.
Por ultimo, esa maravillosa estrofa de Édith Piaf para concluir la película, deja un gran sabor de boca al espectador, y también cierta nostalgia actual de aquellos tiempos de cambio, cuando los sueños parecían convertirse muchas veces en realidad.
**** ( 4 estrellas)
27 de gen. 2010
25 de gen. 2010
NOVA ETAPA DE CRITIQUES CINEMATOGÀFIQUES
MATRIX REVOLUTIONS
Por fin, los hermanos Wachowski se han decidido a finalizar lo que empezó como una buena película de ciencia ficción.
Con “Matrix”, una gran conjunción entre filosofía, estética y efectos especiales culminada a la perfección con un interesante guión. Los Wachowsky creaban una especie de mito dentro de este tipo de género. Neo, el elegido entre toda la humanidad para liberar a los hombres de las maquinas (como Jesucristo a la humanidad) con su “look” gótico y ese toque de inocencia repercutió en las taquillas como en muchos corazones. Morfeo (quien descubre a Neo) y la guapa de Trinity completaban el trío de personajes claves en esta primera entrega. Donde se nos cuenta que existe un mundo (matrix) controlado por las maquinas donde los hombres viven dentro de una falsa realidad. Y que solo unos pocos, “pueden liberar su mente” para luchar en contra de las maquinas. Esta liberación es todo un proceso de educación.
Tras esta maravillosa experiencia y con un buen sabor de boca (y muchos millones ganados en taquilla). Se atreven con “Reloaded” donde como novedad vemos Sión, (única ciudad poblada de hombres) situada en el centro de tierra. En esta segunda entrega de la trilogía, aparecen nuevos personajes como el arquitecto de matrix y un traficante de información que habla en francés, (al cual visitan “los tres magníficos”) que tiene como mujer a la siempre impresionante Monica Bellucci. Ambos presentes en la última parte de la trilogía.
Además de los nuevos personajes y de las nuevas preguntas que dejan en el aire y sin resolver, (supuestamente se tienen que resolver en “revolution”) tenemos una secuencia en moto (una preciosa Aprilia negra) de Trinity que nos mantiene en tensión al estilo de la de “Terminador 2” protagonizada por Arnold Schaweneger con una Harley Davidson.
Y una lucha de Keanu Reeves contra muchos “Smith’s” (es el policía que persigue a Neo) que hacen que valga la pena sentarse en la butaca.
La película “matrix revolutions”, que empieza donde acaba la segunda, (lo cual nos hace plantearnos la duda de que si las dos ultimas películas no son sola una de 4 horas y media cortada por la mitad) los interrogantes siguen sin resolverse, y en la invasión de las maquinas a Sión dejan de lado a Neo, en medio de tantos disparos y tan poco guión.
En cambio, siguen con la estética de las dos anteriores y los efectos especiales llegan a su cumbre más alta cuando Neo y Smith bajo una lluvia intensa mantienen un combate que acaba con un puñetazo a cámara lenta, que dignifica en cierta manera la trama final, aunque nos quedamos en un mar de confusiones y son más las preguntas hechas que las respuestas obtenidas.
** (2 estrellas)
Por fin, los hermanos Wachowski se han decidido a finalizar lo que empezó como una buena película de ciencia ficción.
Con “Matrix”, una gran conjunción entre filosofía, estética y efectos especiales culminada a la perfección con un interesante guión. Los Wachowsky creaban una especie de mito dentro de este tipo de género. Neo, el elegido entre toda la humanidad para liberar a los hombres de las maquinas (como Jesucristo a la humanidad) con su “look” gótico y ese toque de inocencia repercutió en las taquillas como en muchos corazones. Morfeo (quien descubre a Neo) y la guapa de Trinity completaban el trío de personajes claves en esta primera entrega. Donde se nos cuenta que existe un mundo (matrix) controlado por las maquinas donde los hombres viven dentro de una falsa realidad. Y que solo unos pocos, “pueden liberar su mente” para luchar en contra de las maquinas. Esta liberación es todo un proceso de educación.
Tras esta maravillosa experiencia y con un buen sabor de boca (y muchos millones ganados en taquilla). Se atreven con “Reloaded” donde como novedad vemos Sión, (única ciudad poblada de hombres) situada en el centro de tierra. En esta segunda entrega de la trilogía, aparecen nuevos personajes como el arquitecto de matrix y un traficante de información que habla en francés, (al cual visitan “los tres magníficos”) que tiene como mujer a la siempre impresionante Monica Bellucci. Ambos presentes en la última parte de la trilogía.
Además de los nuevos personajes y de las nuevas preguntas que dejan en el aire y sin resolver, (supuestamente se tienen que resolver en “revolution”) tenemos una secuencia en moto (una preciosa Aprilia negra) de Trinity que nos mantiene en tensión al estilo de la de “Terminador 2” protagonizada por Arnold Schaweneger con una Harley Davidson.
Y una lucha de Keanu Reeves contra muchos “Smith’s” (es el policía que persigue a Neo) que hacen que valga la pena sentarse en la butaca.
La película “matrix revolutions”, que empieza donde acaba la segunda, (lo cual nos hace plantearnos la duda de que si las dos ultimas películas no son sola una de 4 horas y media cortada por la mitad) los interrogantes siguen sin resolverse, y en la invasión de las maquinas a Sión dejan de lado a Neo, en medio de tantos disparos y tan poco guión.
En cambio, siguen con la estética de las dos anteriores y los efectos especiales llegan a su cumbre más alta cuando Neo y Smith bajo una lluvia intensa mantienen un combate que acaba con un puñetazo a cámara lenta, que dignifica en cierta manera la trama final, aunque nos quedamos en un mar de confusiones y son más las preguntas hechas que las respuestas obtenidas.
** (2 estrellas)
22 de gen. 2010
UN VIDEO INTERESSANT DE BANDA AMPLA SOBRE LA TV
"Banda Ampla"
Quan es parla de "banda ampla", es fa referència a una gran quantitat d'informació que circula d'una manera molt ràpida i facilita enormement la comunicació. "Banda ampla" és exactament això: un vehicle per accedir a tots els punts de vista, totes les sensibilitats, tots els testimonis i la informació al voltant de les qüestions d'actualitat que afecten els ciutadans de Catalunya.
"Posem a debat la televisió actual, com la fan els professionals, com la miren els usuaris i quina influència té en la vida de les persones. Entre altres coses, ens preguntem si es pot viure sense la televisió, si els catalans aproven o suspenen la tele actual o si s'ha convertit en moltes ocasions en la mainadera dels nens".
Quan es parla de "banda ampla", es fa referència a una gran quantitat d'informació que circula d'una manera molt ràpida i facilita enormement la comunicació. "Banda ampla" és exactament això: un vehicle per accedir a tots els punts de vista, totes les sensibilitats, tots els testimonis i la informació al voltant de les qüestions d'actualitat que afecten els ciutadans de Catalunya.
"Posem a debat la televisió actual, com la fan els professionals, com la miren els usuaris i quina influència té en la vida de les persones. Entre altres coses, ens preguntem si es pot viure sense la televisió, si els catalans aproven o suspenen la tele actual o si s'ha convertit en moltes ocasions en la mainadera dels nens".
20 de gen. 2010
NOVA ETAPA DE CRITIQUES CINEMATOGÀFIQUES
LA SONRISA DE MONA LISA
Del director de 4 bodas y un funeral: Mike Newell. Otra vuelta más de tuerca al mismo tema: profesor “progre” que llega a una institución donde intenta vender sus valores liberales (en este caso arte moderno) a unos profesores retrógrados y a unas alumnas poco interesadas en la materia, sea por falta de estudios como en “mentes peligrosas” o por demasiados como en este film.
La película transcurre en los años 50 e intenta hacer una crítica del machismo de la época, donde la mujer eran preparada para ser maquinas del hogar y perfectas esposas: cuidar de su marido y (como los conejos) criar a los hijos en un ambiente hogareño y familiar. En este rol de futuras madres se sitúan las jóvenes actrices Betty Warren (Kirsten Dunst), Joan Brandwyn (Julia Stiles), Giselle Levy (Maggie Gyllenhaal), Connie Baker (Ginnifer Goodwin), que realizan un correcto despliegue artístico dando una lección a la diva, Julia Roberts, la cual da una interpretación un poco ñoña, de la profesora bohemia, que tiene que abrir las mentes de estas jóvenes victimas de su tiempo y de un estilo de vida arcaico, que hasta hace poco aun teníamos en España.
Pero hacer una denuncia del machismo en los años 50 resulta poco productiva para nuestro tiempo y no se convierte en una lección, (ya que sabemos que el machismo ha existido desde tiempos inmemorables), sino mas bien en un hecho concreto de una época donde lo que estaba a la orden del día en las mentes de la masa era precisamente el culto a la familia y el sacrificio personal para el bien de los seres queridos.
En efecto, un filme, de los que se puede predecir casi todo, donde los guionistas Rosenthal y Konner, no se han esmerado mucho y además de frustrar el personaje de Julia (aunque ella tiene parte de culpa al no darle carisma) no han sabido armarlo bien y queda muy endeble y falto de definición.
Y así transcurre la película, entre una música bonita y cambios de impresiones de modos de vida opuestos, que no es que sea uno mejor que el otro (aunque la mayoría optara por el de la profesora) sino que simplemente forman parte del juego de la vida.
Pero si no quiere jugar con su dinero, píenselo dos veces antes de comprar su entrada, y así, se ahorra pagar por una lección que ya tenemos aprendida.
** (2 estrellas)
Del director de 4 bodas y un funeral: Mike Newell. Otra vuelta más de tuerca al mismo tema: profesor “progre” que llega a una institución donde intenta vender sus valores liberales (en este caso arte moderno) a unos profesores retrógrados y a unas alumnas poco interesadas en la materia, sea por falta de estudios como en “mentes peligrosas” o por demasiados como en este film.
La película transcurre en los años 50 e intenta hacer una crítica del machismo de la época, donde la mujer eran preparada para ser maquinas del hogar y perfectas esposas: cuidar de su marido y (como los conejos) criar a los hijos en un ambiente hogareño y familiar. En este rol de futuras madres se sitúan las jóvenes actrices Betty Warren (Kirsten Dunst), Joan Brandwyn (Julia Stiles), Giselle Levy (Maggie Gyllenhaal), Connie Baker (Ginnifer Goodwin), que realizan un correcto despliegue artístico dando una lección a la diva, Julia Roberts, la cual da una interpretación un poco ñoña, de la profesora bohemia, que tiene que abrir las mentes de estas jóvenes victimas de su tiempo y de un estilo de vida arcaico, que hasta hace poco aun teníamos en España.
Pero hacer una denuncia del machismo en los años 50 resulta poco productiva para nuestro tiempo y no se convierte en una lección, (ya que sabemos que el machismo ha existido desde tiempos inmemorables), sino mas bien en un hecho concreto de una época donde lo que estaba a la orden del día en las mentes de la masa era precisamente el culto a la familia y el sacrificio personal para el bien de los seres queridos.
En efecto, un filme, de los que se puede predecir casi todo, donde los guionistas Rosenthal y Konner, no se han esmerado mucho y además de frustrar el personaje de Julia (aunque ella tiene parte de culpa al no darle carisma) no han sabido armarlo bien y queda muy endeble y falto de definición.
Y así transcurre la película, entre una música bonita y cambios de impresiones de modos de vida opuestos, que no es que sea uno mejor que el otro (aunque la mayoría optara por el de la profesora) sino que simplemente forman parte del juego de la vida.
Pero si no quiere jugar con su dinero, píenselo dos veces antes de comprar su entrada, y así, se ahorra pagar por una lección que ya tenemos aprendida.
** (2 estrellas)
CRACKOVIA I GUTI
Crec que mereix una menció especial el video del Crackovia, es per aixó, que fent un petit paréntesi en lo de les critiques, baix vos deixe el video. jejejeje. Vas a bacs!!!
Per a mes videos, visiteu la web http://crackovia.tv3.cat/videos
Per a mes videos, visiteu la web http://crackovia.tv3.cat/videos
NOVA ETAPA DE CRITIQUES CINEMATOGÀFIQUES
EL ÚLTIMO SAMURAI
Bienvenidos a otra superproducción “made-in-Hollywood” donde nuestro casi compatriota Tom Cruise nos muestra los senderos del honor (palabra que últimamente esta perdiendo sentido, fílmicamente hablando) en un país tan exótico como Japón.
Celoso Cruise de su Amigo Kevin Costner y de su estatuilla de los Oscars, (negada a Tom en tantas ocasiones), ha querido hacer una versión de “Bailando con Lobos” y “Braveheart” pero esta vez, con samuráis (una mezcla extraña) y kimonos que son mas estéticos (ahora que la cultura oriental esta tan de moda) y le quedan muy bien con su sonrisa de anuncio de Colgate.
La historia no es que sea poco acertada, mas bien, es una película en la que él como personaje no encaja, (no da credibilidad a Algren), en los primeros planos (que son constantes) parece mas pendiente de la cámara y de salir guapo que de darle vida a ese capitán sin patria y fuertemente angustiado por su pasado y que no encuentra lugar en este mundo. Además no hay profundidad en los cambios que experimenta el personaje principal: adhesión al imperio japoneses, acercamiento a los códigos de los samuráis, etc., simplemente sirven para la progresión de la historia, nada más. Lo cual nos deja un sabor un tanto agridulce, pero no amargo. La amargura viene cuando intentan comparar a los samuráis con los indios del oeste, recalcando más si cabe, la idea de que Cruise quiere ser de nuevo Costner y llevarse la estatuilla para su mesilla.
Aparte de la actuación de Tom y la fatal comparación, vemos en que se han gastado el dinero los productores: en unas magnificas tomas visuales: paisajes y escenarios, así como en el vestuario. Su director Edward Zwick, (autor de “Leyendas de pasión”) ha sabido plasmar con bastante efectividad el proceso de modernización del Japón, un cambio que suponía una concordancia entre las tradiciones y el progreso, reflejado esto, en la batalla entre las espadas de los samuráis y las armas del nuevo ejercito japonés.
En líneas generales, la película se puede clasificar como correcta desde el punto de vista de dirección, buena en cuanto a la fotografía y bastante decepcionante a nivel de personajes, porque incluso los orientales son demasiado europeos para que se puedan preocupar por la guerra. Por no hablar del doblaje, que es pésimo, sobretodo cuando empieza a hablar el emperador.
** (2 estrellas)
18 de gen. 2010
NOVA ETAPA DE CRITIQUES CINEMATOGÀFIQUES
EL SEÑOR DE LOS ANILLOS
El retorno del rey
Magnífico despliegue de medios, en la que pone punto y final a una estupenda trilogía que quedara para los anales de la historia; por su excelente vestuario, por las imágenes de los paisajes (nos hace viajar a mundos imaginarios; yo me la suelo poner cuando no puedo dormir, para soñar en mundos fantásticos y tener bellos sueños) y por la magnifica visión cinematográfica de su creador.
En esta última sesión, la épica alcanza cumbres muy altas, mezclada con unos diálogos de unos personajes perfectamente definidos, que engrandecen el film. (Pongamos el ejemplo de gollum-smeagol, un personaje creado por animación pero que define a la perfección con su doble personalidad esa angustia existencial que es llevar la carga del anillo). El ritmo, que empieza desde el principio con mucho auge, se mantiene hasta el final, tanto en las batallas arduosas que libran nuestros personajes (cada uno va por un lado pero todos persiguen un fin común) como en los momentos mas emotivos, gracias a esos profundos diálogos y a las metáforas visuales utilizadas.
Hablar del señor de los anillos es hablar de paisajes de fantasía que te dejan boquiabierto, trasladarte en el tiempo y entrar dentro de una aventura que se convierte en real a cada fotograma, a cada paso que nuestros héroes dan hacia la destrucción del anillo, una vuelta a valores tan antiguos como el honor, la familia, y sobre todo la amistad; ese preciado tesoro que hay que cuidar y mimar porque se puede esfumar (sino que se lo pregunten a Sam). También la música adquiere realmente otra dimensión mas allá de tener un efecto auditivo, se mezcla como parte de la película y hace que vibremos como si la estuviéramos viendo, como si cada nota fuera un fotograma.
En definitiva, una aventura hecha obra maestra. Una aventura que une a gentes diferentes, que destruye tópicos, que se desliza en una realidad imaginaria para permitir que entren a escena nuestros sentimientos mas tiernos, que nos emocionemos que vivamos un mundo donde las diferencias son solo un obstáculo al principio, y que se pueden utilizar para un bien común, el bien de la comunidad. (Algo tendríamos que aprender de esta película ¿no?) .
Desde luego Peter Jackson, ha sabido llevarnos de su mano por los fantásticos mundos de Tolkien. Vivan los sueños, viva la Tierra Media.
**** (4 estrellas)
El retorno del rey
Magnífico despliegue de medios, en la que pone punto y final a una estupenda trilogía que quedara para los anales de la historia; por su excelente vestuario, por las imágenes de los paisajes (nos hace viajar a mundos imaginarios; yo me la suelo poner cuando no puedo dormir, para soñar en mundos fantásticos y tener bellos sueños) y por la magnifica visión cinematográfica de su creador.
En esta última sesión, la épica alcanza cumbres muy altas, mezclada con unos diálogos de unos personajes perfectamente definidos, que engrandecen el film. (Pongamos el ejemplo de gollum-smeagol, un personaje creado por animación pero que define a la perfección con su doble personalidad esa angustia existencial que es llevar la carga del anillo). El ritmo, que empieza desde el principio con mucho auge, se mantiene hasta el final, tanto en las batallas arduosas que libran nuestros personajes (cada uno va por un lado pero todos persiguen un fin común) como en los momentos mas emotivos, gracias a esos profundos diálogos y a las metáforas visuales utilizadas.
Hablar del señor de los anillos es hablar de paisajes de fantasía que te dejan boquiabierto, trasladarte en el tiempo y entrar dentro de una aventura que se convierte en real a cada fotograma, a cada paso que nuestros héroes dan hacia la destrucción del anillo, una vuelta a valores tan antiguos como el honor, la familia, y sobre todo la amistad; ese preciado tesoro que hay que cuidar y mimar porque se puede esfumar (sino que se lo pregunten a Sam). También la música adquiere realmente otra dimensión mas allá de tener un efecto auditivo, se mezcla como parte de la película y hace que vibremos como si la estuviéramos viendo, como si cada nota fuera un fotograma.
En definitiva, una aventura hecha obra maestra. Una aventura que une a gentes diferentes, que destruye tópicos, que se desliza en una realidad imaginaria para permitir que entren a escena nuestros sentimientos mas tiernos, que nos emocionemos que vivamos un mundo donde las diferencias son solo un obstáculo al principio, y que se pueden utilizar para un bien común, el bien de la comunidad. (Algo tendríamos que aprender de esta película ¿no?) .
Desde luego Peter Jackson, ha sabido llevarnos de su mano por los fantásticos mundos de Tolkien. Vivan los sueños, viva la Tierra Media.
**** (4 estrellas)
14 de gen. 2010
NOVA ETAPA DE CRITIQUES CINEMATOGÀFIQUES
DOGVILLE
Bienvenida sea, la nueva película del innovador danés Lars Von Traer.
Dogville trata la historia de un minúsculo pueblo situado en las montañas rocosas de los Estados Unidos, aunque podría retratar a cualquier sociedad, ya que encarna en unos pocos personajes los vicios y defectos de la humanidad en general.
Estos interpretes se mueven sobre un suelo negro y puertas inexistentes, que en primer instancia te crean perplejidad pero conforme avanza el film, (dejas volar tu imaginación construyendo el pueblo a tu antojo y asumiéndolo como real) permite que nuestra concentración hacia lo que dicen y hacen los personajes sea mayor requiriendo de ellos, un mayor esfuerzo interpretativo. Destacando entre todas las actuaciones la de la guapísima Nicole Kidman, quien se ha atrevido con un papel menos frio de lo que es habitual en ella, pero que lo ha bordado con razonable soltura (en muchos momentos su cara de inocencia y bondad y esas obras caritativas con el pueblo nos recuerdan a “Amelie”).
Nicole, representa los peligros de presentarse como un regalo, (y esto es lo que quiere el director) porque el poder que tiene la gente sobre un individuo corrompe. Y Lars juega con las personalidades de lo que podríamos considerar Norteamérica en diminuto, retratando una evolución característica de cada individuo en pos del pago de la deuda de la fugitiva. Y aquí es donde viene la parte interesante, porque la caridad es un arma peligrosa en manos de mezquinos. Y Dogsville lo és. Es un pueblo de mezquinos.
Donde se tiene miedo de lo poderoso, cobardía ante lo desconocido y crueldad contra lo débil. Un pueblo, lo suficientemente viable para establecer un interesantísimo debate sobre las raíces de la violencia (tema muy tratado tras el once de septiembre) y es que no hay que darlo todo cuando no se tiene nada, logrando con ello mostrar tu debilidad (el caso de Grace cuando llega a Dogsville) ni no dar nada cuando se tiene todo, hay que buscar un equilibrio entre estas dos posiciones para intentar hacer una sociedad sin abusos ni marginaciones, un lugar donde no exista la sed de venganza ni el racismo. Y en donde el buen hacer de las personas no se confunda como un síntoma de flaqueza sino todo lo contrario: la muestra de que somos seres civilizados y que podemos tratarnos entre nosotros como tales.
****/ (4 estrellas y media)
Bienvenida sea, la nueva película del innovador danés Lars Von Traer.
Dogville trata la historia de un minúsculo pueblo situado en las montañas rocosas de los Estados Unidos, aunque podría retratar a cualquier sociedad, ya que encarna en unos pocos personajes los vicios y defectos de la humanidad en general.
Estos interpretes se mueven sobre un suelo negro y puertas inexistentes, que en primer instancia te crean perplejidad pero conforme avanza el film, (dejas volar tu imaginación construyendo el pueblo a tu antojo y asumiéndolo como real) permite que nuestra concentración hacia lo que dicen y hacen los personajes sea mayor requiriendo de ellos, un mayor esfuerzo interpretativo. Destacando entre todas las actuaciones la de la guapísima Nicole Kidman, quien se ha atrevido con un papel menos frio de lo que es habitual en ella, pero que lo ha bordado con razonable soltura (en muchos momentos su cara de inocencia y bondad y esas obras caritativas con el pueblo nos recuerdan a “Amelie”).
Nicole, representa los peligros de presentarse como un regalo, (y esto es lo que quiere el director) porque el poder que tiene la gente sobre un individuo corrompe. Y Lars juega con las personalidades de lo que podríamos considerar Norteamérica en diminuto, retratando una evolución característica de cada individuo en pos del pago de la deuda de la fugitiva. Y aquí es donde viene la parte interesante, porque la caridad es un arma peligrosa en manos de mezquinos. Y Dogsville lo és. Es un pueblo de mezquinos.
Donde se tiene miedo de lo poderoso, cobardía ante lo desconocido y crueldad contra lo débil. Un pueblo, lo suficientemente viable para establecer un interesantísimo debate sobre las raíces de la violencia (tema muy tratado tras el once de septiembre) y es que no hay que darlo todo cuando no se tiene nada, logrando con ello mostrar tu debilidad (el caso de Grace cuando llega a Dogsville) ni no dar nada cuando se tiene todo, hay que buscar un equilibrio entre estas dos posiciones para intentar hacer una sociedad sin abusos ni marginaciones, un lugar donde no exista la sed de venganza ni el racismo. Y en donde el buen hacer de las personas no se confunda como un síntoma de flaqueza sino todo lo contrario: la muestra de que somos seres civilizados y que podemos tratarnos entre nosotros como tales.
****/ (4 estrellas y media)
12 de gen. 2010
NOVA ETAPA DE CRITIQUES CINEMATOGÀFIQUES
FINDING NEMO
Buscando a Nemo se ha convertido en otro nuevo reto de la Pixar pintado por Paul Gauguin y dirigido por Andrew Stanton y Lee Unkrich, donde la luminosidad, la historia y la definición de los personajes cobra un nuevo concepto dentro de la nueva animación, devolviendo a este genero al lugar que le corresponde.
Acostumbrados a las historias de Disney donde siempre hay un malo absoluto, y un bueno buenísimo, en este film, la Pixar nos cuenta una historia donde hay mas del doble de personajes (si las cuentas no me engañan) de lo que es habitual en las películas de Disney, debido en parte a que la historia utiliza dos historia separadas que ocurren paralelamente. Y el Mal absoluto no existe, solo algunos contratiempos en forma de animales que retardan un poco el final y enriquecen la historia; más o menos como en la vida real, que esta llena de contratiempos y individuos que nos amargan y nos impiden conseguir nuestro objetivo, pero que al final, son los que enriquecen nuestra existencia y nos hace aprender y evolucionar.
En esta aventura submarina, encontramos que cada detalle, cada punto de ese mundo acuático ha sido bien estudiado y que han pasado largas horas enfrente del ordenador para decidir cada toma. Pero sobre todo, encontramos una historia que rompe con el estereotipo de Disney, ya no es Heidi quien intenta encontrar a su madre sino que es la madre quien busca a Heidi, y con este giro, se pueden resaltar muchos de los defectos de los padres como el sobreproteccionismo y otras preocupaciones que tienen los adultos y que infunden mediante la educación a sus hijos. Y los pobres niños tienen que llevar esta carga adulta el tiempo necesario hasta que se dan cuenta de que son ellos los que han de hacer su camino y tomar sus decisiones, porque es así como se crece y se madura.
Esto entre muchas otras cosas es lo que nos explican en esta divertida película que además tiene pinceladas de ironía y un humor para todos los públicos (a veces muy adulto, como la corta memoria de uno de los personajes) que ayuda a la narración para crear una atmósfera que entretiene y divierte.
Al salir del cine, nos invade cierta satisfacción de haber visto un trabajo bien hecho y una vuelta a la infancia y a la inocencia al pensar que tal vez algún pez de nuestro acuario ha podido conocer a Nemo.
**** (4 estrellas)
11 de gen. 2010
NOVA ETAPA DE CRITIQUES CINEMATOGÀFIQUES
He decidit començar una etapa nova per a ensenyar-vos unes critiques que vaig fer fa temps. Durant uns quants dies vos aniré mostrant el material que tinc i, quant s'acabe, s'acabat. La primera es:
PLANTA 4ª
En esta nueva película, el director de “Farmacia de guardia” nos invita a una comedia amable que trata un tema arisco con cierto humor; aparecen niños y un entorno poco apropiado para la creciente inquietud de estos jóvenes, algo que impacta al público por la repercusión social del tema y por los afectados.
Antonio Mercero, enfoca el tema espinoso de un cáncer en adolescentes, quienes están pasando la edad crítica en la que su cuerpo empieza a cambiar para convertirse en hombres (llamada vulgarmente “edad del pavo”).
En esta edad, Albert espinosa (guionista de esta película) vivió una experiencia similar que fue lo que le llevo a escribir su obra teatral “los pelones” y posteriormente a embarcarse en esta aventura; En donde vemos a un más que notorio Juan José Ballesta (miguel Ángel en el film) protagonista de “El Bola”, quien se adhiere a su personaje de manera ejemplar, i amplia nuestra visión del entorno.
Pero al borde de las buenas interpretaciones de los personajes y del contexto (hospital) donde la infinidad de historias dramáticas se puede alargar hasta límites insospechados: anorexia, muerte, soledad. (El director se aprovecha de este recurso para enternecernos) encontramos unos muchachos que pretenden con sus historias y su imaginación sobrevolar el lugar donde se hallan; inventando una realidad, con el fin de no tener que afrontar su terrible enfermedad.
Esta búsqueda constante de una realidad alternativa permite cierta homogeneidad durante el transcurso de la película y el ritmo se mantiene hasta casi el final, donde una actuación del grupo de moda del momento (cuando se hizo el film porque seguramente ahora seria cualquiera de los de OT) nos anuncia que se han agotado las chiquilladas de los niños enfermitos, y por tanto la función ha terminado.
Pero no nos engañemos, después de haber visto algunos de los trabajos del director nos damos cuenta de que Mercero sigue en su línea mas clasicista y nos lleva por el hilo de su buen hacer, es decir nos introduce en un mundo donde nos sentimos frágiles (hospital) para desde allí jugar a su antojo con nuestros sentimientos, tanto que nos
dejamos llevar por una historia un tanto ñoña, pero que cumple su doble efecto: primero impacta e hipnotiza y luego consigue que la piel se te erice.
PLANTA 4ª
En esta nueva película, el director de “Farmacia de guardia” nos invita a una comedia amable que trata un tema arisco con cierto humor; aparecen niños y un entorno poco apropiado para la creciente inquietud de estos jóvenes, algo que impacta al público por la repercusión social del tema y por los afectados.
Antonio Mercero, enfoca el tema espinoso de un cáncer en adolescentes, quienes están pasando la edad crítica en la que su cuerpo empieza a cambiar para convertirse en hombres (llamada vulgarmente “edad del pavo”).
En esta edad, Albert espinosa (guionista de esta película) vivió una experiencia similar que fue lo que le llevo a escribir su obra teatral “los pelones” y posteriormente a embarcarse en esta aventura; En donde vemos a un más que notorio Juan José Ballesta (miguel Ángel en el film) protagonista de “El Bola”, quien se adhiere a su personaje de manera ejemplar, i amplia nuestra visión del entorno.
Pero al borde de las buenas interpretaciones de los personajes y del contexto (hospital) donde la infinidad de historias dramáticas se puede alargar hasta límites insospechados: anorexia, muerte, soledad. (El director se aprovecha de este recurso para enternecernos) encontramos unos muchachos que pretenden con sus historias y su imaginación sobrevolar el lugar donde se hallan; inventando una realidad, con el fin de no tener que afrontar su terrible enfermedad.
Esta búsqueda constante de una realidad alternativa permite cierta homogeneidad durante el transcurso de la película y el ritmo se mantiene hasta casi el final, donde una actuación del grupo de moda del momento (cuando se hizo el film porque seguramente ahora seria cualquiera de los de OT) nos anuncia que se han agotado las chiquilladas de los niños enfermitos, y por tanto la función ha terminado.
Pero no nos engañemos, después de haber visto algunos de los trabajos del director nos damos cuenta de que Mercero sigue en su línea mas clasicista y nos lleva por el hilo de su buen hacer, es decir nos introduce en un mundo donde nos sentimos frágiles (hospital) para desde allí jugar a su antojo con nuestros sentimientos, tanto que nos
dejamos llevar por una historia un tanto ñoña, pero que cumple su doble efecto: primero impacta e hipnotiza y luego consigue que la piel se te erice.
8 de gen. 2010
Aigua de la Valldigna
Hola a tots de nou:
Sent molt no haver pogut, escriure res en tant de temps, però ha segut en contra de la meva voluntat i per problemes totalment aliens a mi. Com m'he canviat de casa, estava esperant que arribes l'internet i finalment avui ho ha fet. 10 megues per a escriure encara mes xorrades si cap, jejejeje.
Avui volia parlar-vos de l'ultim viatge que he fet abans de nadal, ha segut a Simat de la Valldigna. En l'aplec que cada any organitza un centre excursionista de les diferents províncies catalano-parlants.
He tingut el plaer de sentir a Pepe "el botifarra" un cantautor del folklore valencià.
Apart de xerrades, musica i sobretot i davant de tot senderisme i respecte a la natura. Vaig trobar un element comú que m'ha conduit a escriure una petita peça, que reforçaré amb unes quantes fotografies per tal de intentar que sentiu una mica el que jo vaig sentir.
Aigua de la Valldigna, mel que brolla per la senda.
Riu de vida, a l'ombra habita.
Liquid diví curatiu, sana la natura amb fermesa.
Obre transparent, el camí de la terra sotmesa.
Transporta llavors i saó amb empenta.
Nova vida, a la terra habita.
Verd mantó, cobertor que la sorra fa espesa.
Protector renovador, sense aigüa, som feblesa.
Sent molt no haver pogut, escriure res en tant de temps, però ha segut en contra de la meva voluntat i per problemes totalment aliens a mi. Com m'he canviat de casa, estava esperant que arribes l'internet i finalment avui ho ha fet. 10 megues per a escriure encara mes xorrades si cap, jejejeje.
Avui volia parlar-vos de l'ultim viatge que he fet abans de nadal, ha segut a Simat de la Valldigna. En l'aplec que cada any organitza un centre excursionista de les diferents províncies catalano-parlants.
He tingut el plaer de sentir a Pepe "el botifarra" un cantautor del folklore valencià.
Apart de xerrades, musica i sobretot i davant de tot senderisme i respecte a la natura. Vaig trobar un element comú que m'ha conduit a escriure una petita peça, que reforçaré amb unes quantes fotografies per tal de intentar que sentiu una mica el que jo vaig sentir.
Aigua de la Valldigna, mel que brolla per la senda.
Riu de vida, a l'ombra habita.
Liquid diví curatiu, sana la natura amb fermesa.
Obre transparent, el camí de la terra sotmesa.
Transporta llavors i saó amb empenta.
Nova vida, a la terra habita.
Verd mantó, cobertor que la sorra fa espesa.
Protector renovador, sense aigüa, som feblesa.
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